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Manualidades artísticas realizadas por niños
con el apoyo de la organización Ser Libre.

La esencia artística de l@s niñ@s es innata y a través del arte es posible ejercitar las destrezas mentales importantes para su desempeño escolar.



El arte, puede ser para l@s niñ@s un medio de comunicación tan o más efectivo que las palabras, más aún cuando su lenguaje no está desarrollado todavía. A través del arte se facilita la expresión de sus pensamientos y sentimientos lo cual sirve de base para que puedan manifestar su creatividad.

Las artes plásticas incluyen el dibujo, la pintura, el modelado y la escultura. La música también representa un papel importantísimo en este ámbito, si consideramos que en mayor o menor grado, tod@ niñ@ es un músico, cantante y bailarín innato.

Los beneficios educativos y recreativos de la música y las artes en general se extienden a tod@s l@s niñ@s, más allá de si presentan o no algún talento artístico especial. Aparte de enseñarles sobre colores, formas, texturas , sonidos y los conceptos de causa y efecto, el arte favorece la representación de sus experiencias, la descarga de emociones y el desarrollo de las destrezas motoras finas y de coordinación viso-motriz.

La expresión artística de l@s niñ@s va cambiando de acuerdo a su crecimiento físico, mental y emocionalmente.
Los siguientes son 20 de los motivos por los cuales es importante iniciar a l@s niñ@s en el camino del arte desde pequeños:

  • El arte estimula ambos lados del cerebro y todas las áreas del desarrollo- intelectual, social , emocional, motor, y de lenguaje – de los niños.
  • El 33% de los niños son aprendices visuales  y  la música introduce a los niños a los sonidos y a los significados de las palabras.
  • Hay varios estudios científicos que demuestran que los niños que hacen arte leen mejor y sacan mejores notas en matemáticas y ciencias que los que no fueron incentivados en ninguna rama artística.
  • Los niños aprenden usando sus sentidos y el arte es ideal en este proceso.
  • Los niños necesitan un lugar en la escuela para expresarse y el arte es el mejor medio y recurso para ello. Los niños se benefician manifestando sus experiencias, positivas y negativas, pasadas y futuras, por medio del mismo.
  • El arte promueve la autoestima y brinda una oportunidad para que los niños se relacionen con otros alegremente.
  • El arte estimula a los niños a prestar más atención al espacio físico que los rodea.
  • El arte desarrolla la coordinación entre los ojos y las manos (coordinación viso-motora).
  • El arte estimula el desarrollo perceptivo. La música, por ejemplo, aparte de enseñarles acerca de escuchar y apreciar melodías y ritmos, favorece el cultivo de la memoria, la representación de acontecimientos, la descarga de emociones y el desarrollo de las destrezas motoras que se requieren al cantar, bailar o tocar algún instrumento.
  • El arte enseña a pensar dejando finales abiertos. Representa una cultura de preguntas más que una cultura de respuestas.
  • El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema. Participar en actividades artísticas ayuda a los niños a respetar otras maneras de pensar, a la vez que les da herramientas para resolver sus propios problemas y para comunicar sus pensamientos e ideas en diferentes formas.
  • El arte enseña a los niños a pensar creativamente para resolver problemas.Incentiva la creatividad, la innovación y la curiosidad.
  • Los niños pueden compartir y reflexionar acerca de sus trabajos de arte y aprender algo sobre sí mismos y el mundo en el que viven.
  • Cuando el arte está integrado a otras materias del programa escolar los niños se comprometen más en el proceso de aprendizaje.
  • En el proceso de hacer arte el niño está expuesto a diferentes posibilidades, al descubrimiento, la creación, la innovación y a la libertad. De esta manera se evita caer en el control y predictibililidad de la educación convencional universalista.
  • El arte nutre el alma humana. Se siente bien haciéndolo. Da placer y relaja.
  • El arte trae los recursos culturales de la comunidad dentro de la clase. Fortalece el vínculo con las raíces familiares y culturales del niño.
  • El arte involucra a padres y tutores en la escuela invitándolos a participar como voluntarios en diversas actividades.
  • El arte proporciona un medio, un piso en común, para atravesar estereotipos raciales, barreras y prejuicios.
  • El arte es valioso por sí mismo ya que facilita la expresión de  pensamientos y sentimientos, y permite  a los niños manifestar su creatividad, desde pequeñitos y a lo largo de toda sus vidas.
Adaptado desde : Sitiodebes.com

ANTECEDENTES: Durante la colonización la sexualidad humana fue separada de la vida espiritual de los pueblos, cuando esta era parte fundamental de muchos ritos y creencias de nuestro patrimonio ancestral, documentado en el arte cerámico y lítico como lo evidencian piezas de las reservas arqueológicas y la presencia de monolitos como San Biritute en la cordillera de Chongón Colonche.

Existen igualmente en otras culturas prácticas sagradas como el Tantra Yoga y templos esculpidos profusamente con imágenes de contenido sexualmente explícitos como los de Khajuraho en India. Así podríamos citar varios ejemplos de vivencias que no separan lo erótico de lo espiritual.

Cuando evocamos la espiritualidad apelamos a las imágenes más poderosas que consigamos vislumbrar, las emociones más excelsas que logremos sentir, las sensaciones más exquisitas que nuestro cuerpo produzca; así mismo vivimos el sexo sagrado, aligerado de las cargas negativas que erróneamente nos fueron impuestas.

JUSTIFICACIÓN: 
La muestra es una zona para cultivar nuevos conocimientos sobre terrenos ancestrales; llama a crear un escenario diferente, un lugar de discernimiento y de gozo, a levantar con alegría la memoria de aquellos y aquellas que vivieron con integridad sobre la tierra. 

Ir madurando hacia el disfrutar de las relaciones entre lo sacro y lo sexual; hacer propuestas que contribuyan a crear nuevos referente al respecto. De esta manera proponer espacios más saludables y respetuosos de convivencia humana. Una comunidad de nuevos juegos.

Creemos que las artes son un excelente medio para hacernos preguntas, deconstruir referentes y/o plantearnos nuevas posibilidades por estas razones invitamos a participar en esta muestra.

CONCEPTO : Plantear relaciones entre lo erótico y lo sagrado en el ámbito del arte contemporáneo.

PARTICIPACIÓN : Se convoca a artistas y no artistas, a la presentación de proyectos de arte contemporáneo, enmarcados en el concepto principal del evento, dentro de cuatro categorías:

Obras Bidimensionales y Objetos. En esta categoría participan instalaciones, ilustraciones, pinturas, fotografía, etc. o cualquier otro tipo de medio de representación visual físico.

Artes Escénicas. Participan todo tipo de representaciones de arte escénico, performance, danza y teatro, música, etc.

Video y Audio. Participan todo tipo de realizaciones audiovisuales y sonoras, videos tomados desde celulares, animación, gráficos en movimiento, arte sonoro, etc.

Textos y disertaciones. Que aborden el tema desde la lengua.

Igualmente estamos interesados en obras de proceso comunitario realizadas en la Península de Santa Elena y/o en otras comunidades.

CRITERIOS DE SELECCIÓN : Todas las propuestas son válidas, sin embargo, no se aceptarán obras que atenten contra la integridad de personas u otros seres vivos.

FECHAS: 

Convocatoria: 8 julio 2013
Fecha tope de recepción de proyectos: 20 agosto 2013
Inauguración: 12 septiembre 2013 

  • MUESTRA 

Museo de “Los Amantes de Sumpa”
Santa Elena - Ecuador
12 al 15 septiembre 

  • TALLER “ARTE CUERPO CREATIVIDAD”
Conciencia, relajación y movimiento corporal.
Facilitador: Xavier Blum
13 y 14 septiembre

  • CONVERSATORIO “ATAJOS ESTÉTICOS Y DESFILADEROS CONCEPTUALES” 
Relaciones entre arte comunitario y arte contemporáneo.
19 septiembre

  • CONVOCATORIA DE INVESTIGACIONES ACADÉMICAS 
Sobre los vínculos entre lo sagrado y lo sexual.
19 de septiembre

CIERRE
21 de septiembre

CONTACTO xblum.arte@gmail.com
0997210525

Por : Nicolás Díaz Reinoso

Ya sea por sus colores, sus diseños, o lo que representan para quien los luce, los tatuajes, más allá de ser un grito de rebeldía, son una forma de hacer arte o apoyar a una ideología mediante el uso del cuerpo. Sin embargo, esta práctica no es algo reciente o relativo a nuestra época. ¿De dónde surgió?
henna-manos
Dibujos con henna
Dos de los vestigios más antiguos de la práctica de tatuar el cuerpo son la antigua sacerdotisa egipcia Amunet y una momia encontrada en un glaciar en 1991. Los diseños que lucían eran bastante simples, a base de puntos y rayas. Actualmente, los diseños en el cuerpo son obras complejas, donde las formas y colores son tan infinitas como la creatividad de cada artista.
Es en la antigua Polinesia donde surge la práctica de los tatuajes con diseños complejos, los cuales tienen sus propios significados dependiendo de cada persona y de cuánta área corporal cubren, pues también se los consideraba un escudo contra espíritus malignos. Para algunos pueblos, el tatuaje que cada uno lleva en la piel es una huella digital que lo diferencia del resto de su gente tanto como su nombre o su título.
Existe también una fuerte connotación erótica ligada a los tatuajes, símbolos de virilidad en los hombres y de feminidad en las mujeres. En la India existe la costumbre de pintar las manos de las novias con dibujos hechos de henna que, a la par de ser un adorno, también es un símbolo de que la mujer está recién casada o que contraerá matrimonio pronto.
En las Islas Marquesas, el tatuaje era considerado un escudo físico y espiritual, por lo que los hombres generalmente se tatuaban todo el cuerpo. Sin embargo, existía la creencia de que al guardián del Paraíso le desagradaban los tatuajes: para que una persona entrase al Cielo, sus congéneres debían quitarle la piel antes de enterrarlo.
Hombre de Islas Marquesas
Los tatuajes fueron llevados a Europa con la conquista del siglo xviii. Los navegantes europeos llegaron a esas tierras y se quedaron fascinados e intrigados a la vez. No solamente por lo increíble de los diseños y su gran colorido, sino también porque el método que se utilizado en la piel era para ellos algo jamás antes visto.
En la actualidad, llevar tatuajes es una práctica que ha perdido todas sus connotaciones místicas. Existe una increíble variedad de diseños y motivos, en negro o en vivos colores. Animales, plantas, nombres de personas, Jesucristo, la Virgen María… y, por supuesto, los llamados “tatuajes tribales”, diseños que evocan de alguna forma los que se imprimían en la piel de los eurasiáticos y polinesios. Con los años y las influencias culturales, el llevar un tatuaje ha pasado de ser una distinción protectora a convertirse en una distinción ostentosa (en unos casos más que otros, por supuesto). Ha llegado a tal punto que inclusive se han realizado películas referentes a los tatuajes, como el delirante film bien llamado “Memento” (Recuerdo) de Christopher Nolan que presenta a un sujeto sin memoria de corto plazo incapaz de elaborar recuerdos duraderos. Para compensar esta carencia, utiliza fotografías y un método mnemotécnico bastante curioso: tatuarse lo que quiere recordar.
Todos, sin más distinción que la edad  y en ciertos casos la condición médica, pueden hacerse tatuajes, lo importante es encontrar un lugar apropiado para hacerlo (es decir un lugar que, por lo menos, tenga pinta de que no nos contagiará enfermedades), y ser conscientes de que, aunque se supone que ya existen métodos de remoción definitiva, un tatuaje es una marca que nos acompañará toda nuestra vida desde el instante en que el tatuador levante la aguja de nuestra piel dando por terminado su trabajo.

Por: Andrea Carrillo

Algunos dicen que la sección de cultura es la hermana pobre de cualquier medio; esto, puede ocurrir porque en ocasiones se limita a ser una agenda de eventos a los que se debe asistir para pasar por “culto”. La cultura es más que eso, es parte de nuestra realidad, es la manera en la que nos desarrollamos, el cómo hablamos y lo que somos sin conciencia de serlo.

“Ahorita (aurita) mismo”, “dame haciendo”, la misma manera de saludar, están determinados por la cultura; es como un rayo que nos atraviesa desde el momento mismo en que nacemos y nos encontramos con pulseritas rojas para evitar el “mal de ojo” o nos visten de amarillo para tener suerte.

Es fácil confundir “cultura” con “lo culto”; creer que por ir al teatro se es distinto a quien revende las entradas en la puerta, creer que citar un autor poco conocido nos diferencia de quien a duras penas puede leer. Bien, la cultura no es lo mismo que el nivel de educación, ni las clases sociales son lo mismo que las élites.

La cultura es más compleja de lo que a simple vista creemos que es. La realidad, por ejemplo, está formada por la naturaleza más la cultura; esto significa que la realidad de cada uno es distinta de acuerdo a su cultura. Más compleja todavía es una de las tesis que Mario Vargas Llosa desarrolla en su libro La civilización del espectáculo, donde cita a T.S. Eliot y explica que la cultura es patrimonio de una élite y siempre va a ser así: “es condición esencial para la preservación de la calidad de la cultura de minoría que continúe siendo una cultura minoritaria”; esto significaría entonces que las cintitas rojas en todos los bebés llegaron ahí por diferentes razones, algunos la tuvieron porque sus padres lo decidieron, otros por lo que escucharon a la empleada y otros porque fueron criados por una nana. A decir verdad, cuando inicialmente se lee lo que T. S. Eliot explica, se creería que es una concepción clasista de cultura, pero lo que él en realidad expone es que siempre va a exixtir una élite (no una clase social) que aprecie de manera más técnica y argumentada la cultura y que gracias a ellos la cultura permanece.

Una persona pobre puede pertener a la élite culta, como una rica puede no hacerlo. Es un error creer que porque se ha viajado a Europa y se han visitado museos, la persona pasa a formar parte de la élite, sobre todo, porque ahora la cultura se vende como un sitio turístico y el nivel de abstracción no es el mismo para todos; en otras palabras, asistir a una sinfonía no significa que se hayan entendido las piezas, ni escucharla en la radio significa que no lo haya hecho.

El aspecto cultural se vuelve más complejo aun cuando topamos el tema de la globalización. Artistas han explicado este fenómeno como una verdadera destrucción de la identidad: si no hay límites, tampoco hay reconocimiento. Toda información, rito, historia ahora es entendida y difundida a través del Internet, por ejemplo, y la cultura de masas absorve lo autóctono de cada país. La cultura ecuatoriana se ha reducido a un mercado artesanal y las nuevas generaciones son capaces de adaptarse a cualquier cultura porque no se empapan de la suya propia: abandonamos el tostado por las papas fritas, la fritada por la hambuerguesa y hay personas que conocen más de Estados Unidos, que de su propio país.

Mario Vargas Llosa habla del “mundo pantalla” que ha sido capaz de romper las barreras del tiempo y del espacio, cosa que a simple vista suena muy positiva, pero que si lo repensamos podemos percibir que genera una estandarización del tiempo-espacio: todos estamos en todo lugar, entonces no estamos en un punto específico. La publicidad, por ejemplo, busca vender ideales de vida que funciona para todos; Coca-Cola significaría “destapar la felicidad” en todo el mundo porque ahora todos somos iguales, con una pérdida significativa de la individualidad.

No es cuestión de ser “actuales” y olvidar la cultura, es cuestón de no perder la perspectiva y empezar a apreciar lo nuestro. Es increíble creer que ahora los jóvenes usen ponchos de diseños tribales porque marcas reconocidas de moda los ponen al mercado mientras que nadie sería capaz de usar un poncho hecho por indígenas ecuatorianos. No se debe dar la espalda a lo que somos.

Las diferencias que existen entre nosotros nutren la cultura nacional, la colorea y en las comparaciones se evidencia esto; hay ciertos matices que varían de región a región, de edad a edad o de clase social, pero hay chistes que todos entendemos y disfrutamos, expresiones que revelan que somos iguales a los demás. Dejemos de menospreciar entonces lo popular, de creer que se es superior por citar un autor célebre. Es momento de dejar de buscar diferencias y encontrar similitudes entre los nuestros.

Reproducción solicitada desde: El Imperdible

"Sol Naciente", "Marcando Territorio"
 y "Sol Andino". Todas las fotos: Valeria Yépez

Por Valeria Yépez

“Un mar de luz y misterio” es el nombre de la muestra de arte en vidrio que se encuentra abierta en la galeria principal del Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador, hasta el 30 de enero del 2013.

Tarasieh Werle- Vahdat es la creadora de esta mágica exposición bautizada como “Naturaleza muerta con frutas muertas”. Las texturas logradas a partir del juego y la combinación de la transparencia con luces de distintas tonalidades e intensidades, brindan colores y temperaturas que encierran un solo concepto que evoca a la naturaleza y su cualidad fluida y al mismo tiempo armoniosa, ya que conjuga matices vivos y avejentados.

Características del vidrio como la maleabilidad y su posterior endurecimiento, permiten que sobre su estructura química se puedan formar las más caprichosas formas que perduran tal y como la artista las pensó. El vidrio es un material que sufre un proceso de transformación casi mágico; sin embargo, detrás de la metamorfosis de arena en vidrio, existen leyes físicas y químicas que dan como resultado un elemento perfecto para plasmar visualizaciones artísticas que, aunque se encuentren rígidas, producen sensación de movimiento y docilidad a la vista.

“Un mar de luz y misterio” es un espacio divido para la creación y el montaje de diversas atmósferas con efectos abstractos. La esencia de esta obra es el vidrio, pero la conjugacion de otros materiales como el mármol, la piedra o la madera, aumentan las opciones de creación de la artista. Las esculturas crean ilusiones ópticas, que moldean obras majestuosas y que permiten a la imaginación encontrar formas diversas y dotarlas de sentido, o simplemente olvidar el ambiente exterior para ingresar en uno irreal, mágico y fantasioso.

Con el objetivo de fomentar el reciclaje y demostrar que los residuos pueden convertirse en arte, y como alternativa práctica y viable a favor del medio ambiente, la GALERIA OTORONGO convoca al I CONCURSO DE ARTE “ReusARTE”, dirigido a la comunidad en general. El evento cuenta con el aval de la Fundación Municipal Bienal de Cuenca, La Casa de la Cultura Núcleo del Azuay y el apoyo de la Ilustre Municipalidad de Cuenca.

  • FECHA Y SEDE

Las obras del concurso serán expuestas del martes 3 al viernes 26 de Octubre del 2012 en la Galería de la Alcaldía (Bolívar y Borrero esq.) en horarios de 9h00 a 18h00.

REGLAMENTO

  • DE LOS PARTICIPANTES:

Los participantes podrán ser ciudadanos nacionales o extranjeros de forma individual o colectiva, que al momento de formalizar la inscripción, aceptan las bases del concurso; la titularidad y la propiedad intelectual de los productos y procedimientos, que por efecto de este concurso se generen (publicación y difusión), serán de propiedad del Comité organizador del concurso, mientras que la autoría será del artista, dejando expresa constancia que el artista, no podrá reclamar derecho económico alguno por estos.

La Galería Otorongo no podrá vender obra alguna.

*En caso de existir interés por parte del público se canalizará la transacción con el (los) autores.

  • DE LAS OBRAS

La temática y técnica de las obras participantes es libre. El tamaño de cada obra no excederá de 80 centímetros en cualquiera de sus dimensiones, incluido base, enmarcado y soporte. Cada obra deberá ser confeccionada con un mínimo del 80% de materiales reciclados o reusado.

Las obras presentadas deberán adjuntar una memoria explicativa, (incluyendo ficha técnica, 4 fotografías del proceso de elaboración y 1 de la obra terminada en formato horizontal, en JPEG de 1024 x 768 pixeles). Esto es para fines de identificación de la obra y para la difusión por diferentes medios.

En caso de que la pieza u obra artística requiera un método o técnicas exclusivas o especiales para su montaje o desmontaje, éstas se deberán notificar oficialmente por parte del autor, a los organizadores del evento. La notificación deberá realizarse a manera de instructivo.

No se admitirán obras realizadas con materiales orgánicos e inorgánicos rápidamente degradables o perecibles a corto plazo, tampoco el uso de vestigios arqueológicos o piezas de origen patrimonial o cultural.

Todas las obras serán analizadas por un jurado de admisión para el cumplimiento de las bases descritas anteriormente.

  • DE LOS ORGANIZADORES

Los organizadores cuidarán de la integridad, buen uso y manejo de las obras en los centros de entrega y exposición de las mismas, aunque no responderán por pérdidas, roturas, robos, hurto, daños o desperfectos de las mismas, que por razones externas o de manipulación normal puedan producirse.

El comité organizador estará a cargo de la museografía y montaje.


  • BASES DEL CONCURSO

Para el I Concurso de Arte “ReusARTE” los artistas podrán participar en cualquiera de las siguientes categorías:

Arte OBJETO
Arte UTILITARIO
Arte BI DIMENSIONAL
Arte TRI DIMENSIONAL

  • PREMIOS

Se otorgarán premios y reconocimientos a los tres (3) primeros lugares de cada categoría. Todos los concursantes recibirán diploma de parte de la Galería Otorongo como constancia de su participación el día de la premiación.

Las obras serán premiadas de acuerdo a:

Creatividad y Originalidad
Técnica amigable con el medio ambiente
Tipo de material reciclado

  • JURADO


Un representante de la Bienal de Arte de Cuenca (15% de votación).
Un representante de la Casa de la Cultura, Núcleo del Azuay (15% votación)
Sr. Miguel Illescas, especialista en Arte en reciclaje (10% de la votación).
Sr. Eduardo Vega, reconocido artista ecuatoriano a nivel internacional (10% de votación)
Sr. Julio Montesinos, artista ecuatoriano con trascendencia internacional (10% de votación).
El Público tendrá suma importancia en la deliberación de los ganadores en las diferentes categorías, con un 40% de la votación, para lo cual, en la Galería de la Alcaldía se colocará en el libro de registros, un renglón para la votación. 

El veredicto del jurado será inapelable. El acta de premiación se dará a conocer el día de la clausura y se comunicará a través de los medios de comunicación colectiva y redes sociales. El Jurado podrá declarar total o parcialmente desiertos los premios.


  • INSCRIPCIONES

Todos los participantes deberán identificarse con un Seudónimo.

Las inscripciones son totalmente GRATUITAS y los interesados deberán llenar el formulario de participación con los siguientes datos:

Nombres y apellidos, seudónimo, dirección, teléfono y dirección electrónica. En caso de participar como grupo, incluir los datos del representante del mismo y miembros del grupo. 

Los formularios de inscripciones e información adicional del evento se entregan en:

GALERIA OTORONGO
Av. 3 de noviembre - Plaza Otorongo
galeriaotorongo@gmail.com
Tel. (07) 2832527 Cel. 095140974

ENTREGA DE OBRAS

Todas las obras deberán ser entregadas entre el 29 de septiembre directamente en la Galería de la Alcaldía (incluyendo las 5 fotos obligatorias) y coordinando con la Sra. Magy Peña de la Galería Otorongo. 

La muestra se inaugurará el 3 de Octubre en la Galería de la Alcaldía, y el evento de clausura será en la Plaza del Otorongo el 26 de Octubre.

Ninguna obra podrá ser retirada, por ningún concepto, antes de la fecha de clausura, todas las obras deberán ser retiradas de la Galería de la Alcaldía, por sus autores o cualquier persona con autorización escrita, hasta máximo el día lunes 29 de octubre, de NO ser así, las obras pasarán a formar parte del patrimonio de entidades culturales locales

Río de los Sueños es una programación creada especialmente con ocasión del montaje coreográfico que presentaran en el Teatro Experimental las maestras de danza contemporánea Jeanne Travers y Lisa Roll (EEUU). La danza se fundamenta en investigaciones y experiencias vividas por sus creadoras con los indígenas de la Amazonía del Ecuador. Intervienen bailarines nacionales que fueron seleccionados mediante audiciones.

En el elenco estarán presentes: Allison Quijije; Jennifer Cabezas; Jenny Rocío Carvajal; Jessica Abouganem; Angie Castillo, Irina Pesantes; Jose Manners; Lenin Pava; Miguel Angel Zelaya; Monika Cuesta y Peter David Ronquillo.

De igual manera, se exhibirán obras del artista ecuatoriano Ramón Piaguaje, nativo de la tribu de los Secoya (Siecopai) y ganador del concurso mundial promovido por el Príncipe Carlos de Inglaterra y la Compañía Inglesa Windsor & Newton, en el año 2000.

PROGRAMACIÓN
  • Película/documental One Water www.onewater.org
  • Reconocimiento al pintor Ramón Piaguaje www.ramonpiaguaje.com (Exposición adjunta).
  • Poeta en el mar por María Antonieta Ochoa y José Manners, obra que fusiona danza, naturaleza y poesía.
  • Reconocimiento al músico e investigador Schuberth Ganchozo www.ganchozo.com
  • River of Dreams (Río de sueños). Coreografía de Jeanne Travers EEUU, basada en investigación en la Amazonía ecuatoriana.
DATOS DEL EVENTO:
  • Fecha: jueves 15 de marzo, 19H30
  • Lugar: Sala Experimental del Teatro Centro de Arte (Km. 4 y medio vía a la Costa) 
                              ******ENTRADA LIBRE******

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